Durutti Column - Sketch for Summer

O movimento Punk de meados dos anos 1970 trouxe um novo colorido para o Rock e influenciou outros subgêneros, entre eles o Pós-Punk, com bandas como Jon Savage, Siouxsie and the Banshees e Anne Clark. O Durutti Column, banda cujo idealizador e homem de frente é o guitarrista Viny Reilly, não conquistou um grande público ou amealhou fortuna, mas criou uma música ao mesmo tempo lírica e vibrante, nublada  e nostálgica como a própria atmosfera de Manchester (e do resto da Inglaterra), terra natal do grande estilista Vini Reilly - considerado por muitos (entre eles os membros do Red Hot Chilly Peppers) um dos maiores nomes da guitarra. Sketch for Summer, com toda sua melancolia e suavidade, é uma belíssima vitrine desse grupo - tremenda expansão das fronteiras do Rock.

Deep Purple - Child in Time

Se o Rock tem um denominador comum, certamente é o Deep Purple. Todos os elementos explorados por outras bandas estão presentes no Purple: do Blues à influência de música erudita (em solos “quase como Bach” como dizia o tecladista Jon Lord), do peso e dos decibéis de um Led Zep ou Black Sabath ao Soul, do Jazz ao Experimental, está tudo lá, devidamente sincronizado, balanceado e reinventado. Junto com o Black Sabath e o Led Zeppelin, o Purple compõe a trindade do Hard Rock: tudo o que veio depois nesse subgênero, começou com esses três grupos. Entre 1968 e 1976, o Purple teve quatro formações, chamadas de “marks”. O Mark II -  que aparece neste post - é que teve maior sucesso comercial e número de fãs. Child in Time, um protesto contra a Guerra do Vietnã (1955 - 1975) gravada no álbum In Rock (1970), é um clássico entre os clássicos, uma vitrine para o virtuosismo desses músicos seminais.

King Crimson - The Night Watch

O King Crimson é uma daquelas bandas que levou o Rock ao seu limite máximo. Numa palavra: experimental. Ideal do guitarrista e fundador do grupo Robert Fripp, um dos heróis da guitarra mais significativos da história desse instrumento, o Crimson teve diversas formações, incluindo feras imprescindíveis do Rock: Greg Lake, Bill Bruford, Adrian Belew, Tony Levin, Trey Gunn e Jon Wetton, para citar apenas alguns. Ao todo, entre 1969 e 2009, anos em que a banda esteve ativa (contando intervalos que chegam a somar mais de uma década de inatividade),  foram 18 membros e dois letristas (de fato, o Crimson é uma das poucas bandas de Rock a ter poetas como letristas). Desafiadora de regras comerciais, a banda escolheu uma plateia pequena, mas fiel. Também estabeleceu marcos musicais que influenciaram as gerações de músicos que os sucederam. De acordo com Pete Sinfield, o primeiro letrista do grupo, se a música que o Crimson estava produzindo soasse “muito popular, estava fora”. 

The Night Watch, do álbum Starless and Bible Black (1974), traz um dos melhores momentos do King Crimson A letra se refere ao quadro do mesmo nome, do holandês Rembrandt van Rijn. Embora não tenham atingido musicalmente o que Rembrandt realizou pictoricamente, é uma das mais belas canções da história do Rock - com toda a sofisticação e complicação possíveis nesse gênero musical básico e simples, o qual precisa apenas de três acordes e a verdade para criar música.

Gentle Giant - Pantagruel’s Nativity

A banda inglesa de Rock Progressivo Gentle Giant ampliou as fronteiras do Rock ao criar uma música sofisticada e complexa, reflexo da virtuosidade de seus membros - todos multi-instrumentistas. Segundo o vocalista Derek Shulman, um dos fundadores da banda, o Gentle Giant queria produzir um som que desafiasse o ouvinte, sem se importar com o aspecto comercial. De fato, o Giant nunca foi campeão de vendas, mas angariou seguidores fiéis que ainda curtem a banda, mesmo depois de mais de trinta anos de sua dissolução. Bom exemplo é Pantagruel’s Nativity. Além da complexidade das texturas sonoras que formam o contraponto -  uma técnica utilizada pela música barroca -, a letra também é desafiadora. Ela se refere à obra do autor satírico francês François Rabelais (c. 1494 – 1553), Gargantua e Pantagruel, escrita no século XVI. Aqui, a interpretação é do grupo Three Friends, três ex-integrantes do Giant (Gary Green, Kerry Minear e Michael Mortimore) que se reuniram  no final dos anos 2000 para tocar ao vivo a produção original da banda.

Led Zeppelin - Thank You

Leve e, ao mesmo tempo, pesada como um zeppelin de chumbo, a música do Led Zeppelin deu novos rumos ao Rock. Ritchie Blackmore, guitarrista do Deep Purple , afirmou, por exemplo, que ao ouvir o Led Zep pela primeira vez descobriu o tipo de som que queria fazer. Formada por dois competentes músicos de estúdio (Jimmy Page e John Paul Jones), um baterista que tocava com as vísceras (John Bonham) e um vocalista que encarnava o espírito dos velhos bluesmen americanos ao mesmo tempo em que arrebatava o coração do público feminino (Robert Plant), a banda foi progenitora de pelos menos dois dos subgêneros mais populares do Rock, o Hard Rock e o Heavy Metal. Controversos, hedonistas ao extremo (como qualquer astro de Rock), acusados de plagiadores (de fato, muitas das suas músicas são releituras de velhas canções de Blues), românticos, bruxos, o Led Zeppelin cantou uma época de loucura e inconsequência, mas também mais pura, ingênua. Thank You, do álbum Led Zepellin II, de 1969, cuja letra foi a primeira escrita inteiramente por Robert Plant marcando o início do seu trabalho como compositor, é, na versão de estúdio, um dos raros momentos em que Jimmy Page faz backing vocals.

Van Halen - Runnin' With The Devil

No seu primeiro álbum, o Van Halen reinventou as possibilidades da guitarra e redesenhou o Hard Rock. O som da banda remete ao “sábado à noite”, conforme o baixista Mark Anthony classificou o espírito da banda. De fato, a música do Van Halen evoca, mesmo, o momento de descarregar, de tirar das costas a mochila carregada de pedras civilizatórias, de digerir os sapos que precisaram ser engolidos, de relevar os “nãos” que escutamos a vida toda, de xingar, bater os pés e sacudir a cabeça dando socos no ar. “Este sou eu e é assim que eu sou”, parece ser o grito visceral de todo roqueiro. E o som do Van Halen, como o de todas as grandes bandas, realiza esse anseio: o de nos fazer maiores que a vida, cheios de energia e de certeza de nós mesmos. Uma epifania de técnica e sensibilidade, como Runnin’ With the Devil, do primeiro álbum da banda, Van Halen, de 1978.

The White Stripes - Seven Nation Army

Quem ouve Jack White pela primeira vez tem a impressão que ele está possuído por uma legião de espíritos dos velhos guitarristas de Blues e Hard Blues. Apesar da influência, White trouxe, como poucos, sangue novo para uma velha escola do Rock. The White Stripes foi a primeira banda de Jack White, formada apenas por ele nas guitarras e vocal e por sua ex-esposa, Meg White, na bateria. Minimalista, o duo abria mão de recursos e trabalhava com o mínimo: ritmo, força e atitude. E não precisaram de mais nada. Seven Nation Army, do álbum Elephant, de 2003, projetou a banda. Com seu riff marcante, letra provocante e energia, essa música teria bastado para escrever o nome do The White Stripes e de Jack White na galeria dos grandes nomes do Rock.

Jefferson Airplane - White Rabbit

A segunda metade dos anos 1960 foi marcada pela psicodelia, o movimento cultural surgido como resultado das experiências provocadas pelo uso das chamadas substâncias psicodélicas, como o LSD. A psicodelia deixou fortes traços nas artes, de forma geral, e no Rock, em particular. Os próprios Beatles tiveram sua fase psicodélica, quando produziram alguns dos seus melhores trabalhos. 

Nos Estados Unidos, a banda à frente da psicodelia foi Jefferson Airplane, formada em San Francisco com 1965. Símbolo de uma época - tocaram nos três principais festivais dos anos 1960, Monterey, Woodstock e Altamont - seu álbum Surrealistic Pillow, de 1967, é um dos maiores ícones do Summer of Love. White Rabbit, deste disco, é um hino desse tempo. A letra revisita Alice no País das Maravilhas enfatizando o aspecto lisérgico dessa história.

Evanescence - Bring Me To Life

O som da banda de Gothic Rock americana Evanescence gira em torno da voz de Amy Lee – uma voz bela, poderosa e, ao mesmo tempo, permeada por certa tristeza e angústia. A música do Evanescence mescla riffs de New Metal com a suavidade do piano e outros instrumentos acústicos, emoldurando letras de triste sensibilidade. Bring Me To Life, do primeiro álbum Fallen, de 2003, foi interpretada como um chamado à vida, o que também rendeu à banda sucesso entre os círculos de Rock cristão.

Rainbow - Stargazer

Se existisse algo como um panteão dos guitarristas de rock, certamente Ritchie Blackmore figuraria entre seus deuses. Blackmore abriu caminhos que viriam a ser trilhados por outros guitarristas que reinventaram o modo de tocar esse instrumento. Eddie Van Halen e Yngwie Malsmteen, dois dos maiores estilistas do Rock, reconhecem-se como seus seguidores. É reconhecido como o primeiro a fundir Hard Rock com elementos de música clássica. Como um dos fundadores do lendário Deep Purple, Blackmore já teria deixado um importante legado para o Rock. Mas ele foi além. Em 1975, deixando a banda que havia se confundido com seu próprio estilo, Blackmore montou Rainbow, apoiado pelo vocalista Ronnie James Dio e, posteriormente, pelo baterista Cozy Powel, que anos depois viria substituir Karl Palmer, o “P” do trio de Rock Progressivo ELP, ou Emerson Lake & Palmer. Stargazer, do álbum Rainbow Rising, de 1976, é uma bela mostra da fusão dos talentos desses músicos excepcionais.

Frank Zappa - Watermellon in the Easter Hay

Sem dúvida, o guitarrista, compositor, vocalista, engenheiro de som, produtor musical e diretor cinematográfico americano Frank Zappa (1940 – 1993) está entre os maiores gênios que o Rock produziu. Autoditada, o inquieto Zappa compôs Jazz, Rock e música erudita, além de dirigir filmes e lançar nomes como Steve Vai, Adrian Belew e Patrick O’Hearn, para citar apenas alguns. Ambivalente, misturava influências de compositores clássicos do século XX como Edgar Varese e Igor Stravinsky ao Rhythm’n’Blues. Iconoclasta, suas letras cáusticas e carregadas de humor ridicularizavam o American way of life. São, de fato, reflexos de sua postura com relação ao sistema. Como ele dizia, “o cinismo é a única forma de se lidar com a sociedade moderna”. Watermelon in the Easter Hay, um dos solos de guitarra mais memoráveis da História do Rock, faz parte da ópera Joe’s Garage, de 1979, uma história que aborda os perigos que os sistemas políticos representam para a liberdade das pessoas.

Ramones - Rockaway Beach/Pet Sematary

Ramones, como toda banda de Punk Rock, é puro som de garagem. Formada em Nova York em 1974, é reconhecida por muitos como a primeira banda Punk. Como todas as outras bandas de Punk, os Ramones criaram seu som como reação à superprodução que caracterizou o Rock no final dos anos 1960 e início dos 1970, especialmente os subgêneros Progressivo e Fusion - distantes da liberdade e espontaneidade ostentadas pelas primeiras bandas de Rock’n’Roll. A “marca” da banda, o sobrenome “Ramone” adotado por todos os membros do grupo, se baseava naquele usado por Paul McCartney quando ele se registrava em hotéis na época dos Silver Beatles (Paul Ramon). 

Nesta dobradinha, gravada no show que os Ramones deram em Sampa em 1991, no Dama Xoc (lembram?), os clássicos Rockaway Beach e Pet Sematary.

Mahavishnu Orchestra - Live at BBC 1972

Jazz? 

Rock? 

Jazzrock. 

John McLaughlin (1942 - ) é um dos fundadores do subgênero Fusion, também conhecido como Jazzrock. Muito cedo, o guitarrista chamou a atenção de gente como Miles Davis, que o convidou a participar de seu disco Bitches Brew, álbum histórico que marca o início da fusão entre Jazz e Rock. Há, inclusive, uma música no álbum chamada John McLaughlin - mostra da admiração de Davis pelo talentoso guitarrista.

Nos anos 1970, McLaughlin montou uma superbanda, a Mahavishnu Orchestra¸ pela qual passaram feras como os violinistas Jean-Luc Ponty e Jerry Goodman, o tecladista Jan Hammer e o baterista Billy Cobhan. Aqui, essas feras estão soltas num especial da BBC gravado em 1972, onde os improvisos - herança do Jazz - transportam músicos e público numa verdadeira viagem...

Alice in Chains - Would

A música do Alice in Chains, um dos maiores grupos de Grunge, poderia ser descrita numa única palavra: visceral. Além do som de garagem, “sujo”, característico desse subgênero, a banda também adiciona elementos de Heavy Metal e instrumentos acústicos para criar seu estilo - tremendamente fiel à essência do Rock.

Layne Staley, o vocalista, perdeu a vida para a heroína em 2002, aos 34 anos. A letra de Would, do álbum Dirt, de 1992, é profética. Ela remete à morte por overdose dessa droga de Andrew Wood, vocalista do Mother Love Bone. A voz elétrica, carregada - quase angustiada - de Staley, aliada à energia da guitarra de Jerry Cantrell, fazem dessa música - e do som do Alice in Chains - um dos grandes momentos da História do Rock.

Genesis - I Know What I like

Teatral, lírico, com letras que contam fábulas ou narram duelos de gangues emolduradas por uma música que mescla Blues, Rock a elementos eruditos, a banda Genesis foi uma das principais representantes do subgênero Rock Progressivo. Em sua melhor fase, quando tinha Peter Gabriel como vocalista, as performances do grupo eram verdadeiras encenações, onde Gabriel interpretava as canções com máscaras e fantasias. Contudo, depois da saída de Gabriel e do guitarrista Steve Hackett, a banda foi escorregando cada vez mais para o Pop.

Quando, em 1973, perguntaram a John Lennon o que ele estava ouvindo de diferente no rock, o ex-Beatle não demorou a responder:  “estou adorando o novo álbum do Genesis”, Selling England by the Pound, lançando naquele ano. Lennon ficou particularmente impressionado com I Know What I Like .

System of a Down - Hypnotize

A banda californiana de alternative metal System of a Down, ou SOAD, usa o rock como meio para discutir as perfídias da nossa civilização, expondo abertamente em suas letras o cinismo e a falsidade dos nossos líderes. Tendo atingido o sucesso no início dos anos 2000, no auge da paranoia do terror, condenam o belicismo americano e a loucura de transformar pessoas em soldados. A música do SOAD soa como um grito contra a manipulação das massas por meio de propaganda, tão característica da nossa época.

Rory Gallagher - Moonchild

Diz a lenda que, certa vez, perguntaram a Jimmy Hendrix como ele se sentia sendo o maior guitarrista do mundo. “Não sei”, teria respondido Hendrix. “Vá perguntar ao Rory Gallagher”. Com efeito, o irlandês Rory Gallagher (1948 – 1995) deixou sua marca, gravada a solos de guitarra, na história do Rock. Moonchild, do álbum Calling Card, de 1976, produzido pelo sempre Deep Purple Roger Glover, traz o eterno carisma desse grande guitarrista.